Stefan Alber

Text by Marion Oberhofer

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Temporary Places, flexible materials and seductive surfaces: a visit to Stefan Albers’ studio in Berlin.

Looking for new ideas, artistic exchange and development of own ideas has brought you to Berlin more than ­5 years ago. At your current workplace – the Uferhallen – until 2006, before it became an artistic melting pot with studios, workshops and studios, buses were repaired. Is this the right place for you to ask questions about spaces and their changes?

Stefan Alber: I have previously studied in Hamburg. The Hanseatic city has a great art scene, and yet I wanted to learn more and get to know a larger and more open field of art. Berlin has been a magnet for a long time – for artists, art scholars, galleries etc. I appreciate that Berlin functions like a network that works very well to the outside and constantly tries to make new connections. It has been easy for me to take foot here. I have also met my people from Hamburg as well as from South Tyrol here. Berlin has a lot to offer culturally, and this is fascinating for many creative workers. This variety is very inspiring. I can find art everywhere. When I drive or walk through the streets, somewhere there is always a performance taking place, or I see a graffiti that excites me. But I also like places like South Tyrol and to be there in the mountains by myself. This is a nice contrast. I am not so much anchored in Berlin, probably also because – like many others – I only use temporary spaces here.

In your artistic exploration of built environments and architecture, the so-called garbage of history is a recurring element. The remnants of the past are the starting point for these works. The collapse of a building or a neighborhood, or the closure of an industrial complex such as “Copsa Mica” (Romania) does not only leave empty spaces, but also traces. These relics are dismantled and transformed by you. You highlight both the historicity of these fragments and their materiality. This artistic practice or approach also seems important for your site-specific works.

Stefan Alber: Spaces are an essential starting point for my work. I am very much interested in architecture and its historical background, but also its current function. In my work, the ­question of how places are perceived plays a central role. I ask myself how I can make these aspects productive for my work by shifts, fragments or link­ages. Here I come to very different results. I handle spaces in a very heterogeneous way. I try to encourage the space to change its appeal. When I travel, I often come across places that interest me artistically. I then transfer them to my work, for example by showing them in an exhibition situation. In “Copsa Mica” until 1993 there was one of the largest production plants for carbon black and non-ferrous metals in Europe. The many years of toxin production have left behind a catastrophic environmental damage. Since the closure of the factories, the region has been considered economically forgotten. The remains of the industrial ruins are dismantled by the residents of the area and used as building material. On a visit there I came across chamber bricks made of graphite that were shaped by decay and transformed them into a hybrid of sculpture and architecture model.

You have already acquired your sense of the aesthetic value of everyday objects during your training as a carpenter. The artisanal aspect still plays a major role in your work. How important for you are craftsmanship and experimenting with materials?

Stefan Alber: When I still was a carpen­ter, I was very much occupied with design. Making my own furniture, searching for form and the technical implementation were the finest challenges in this work. After some time, I then started to integrate images in my furniture. Eventually, the functional aspect became obsolete – and so the furniture was gone. The building process itself, the material and the surface were increasingly becoming important. Experimentation and the use of the material are crucial for me. Sometimes, however, it can happen that I have to give a workpiece to somebody else, simply because I am not able to do what I want to do with my tools and my possibilities.

Your creative work process also brings you to various public Berlin workshops. For the “Light Cases”, you have learned to weld metal. Your works are often cross-media. The series “Frameworks” moves between photography, sculpture and object art. When visiting your own studio, one notices your precise, almost perfectionist approach. The following applies: The medium is the message. This is evident for me especially in your image production, most of all in the photographic work.

Stefan Alber: My studio is a workshop, a very flexible space, partly wood workshop, partly color lab and partly darkroom. I work with both digital and analog photography. Since I usually start with a certain topic, it depends on this whether I opt for digital or analog. Analog photography is a highly flexible material. I find it fascinating that I can fill the surface of a photographic paper in different ways. I can clearly project my own pictures on it, but I can also just develop it or make visible the inherent color of photo paper by simply letting the paper absorb the ambient light. The series “Reflectors” are objects of light-sensitive photo paper painted by the ambient light. The photo paper does not serve as a carrier of a fixed photographic image, becomes an independent image object showing a continuous change of its surface. In the series “Light Case”, I use amongst others backgrounds from object photography with gradient effects. For me, these reflect common aesthetic ideas which repeatedly show up as a background in new contexts. In the series “Frameworks”, I start with various wooden frames. In the images, photographs of trees can be seen. To that a can of wood stain is ­added. I often work with the combination of image and object. In this case it is a combination with an everyday object for me from which I build a collage.

Temporäre Orte, flexible Materialien und ver­führerische Oberflächen: Ein Besuch in Stefan Albers Atelier in Berlin.

Auf der Suche nach neuen Impulsen, künstlerischem Austausch und Raum für eigene Ideen hat es dich vor nun mehr als 5 Jahren nach Berlin verschlagen. An deinem jetzigen Arbeitsplatz - den Uferhallen - wurden bis 2006 - also bevor sie zu einem künstlerischen Schmelztigel mit Ateliers, Werkstätten und Studios wurden - ­Busse gewartet. Der richtige Ort für dich, um Fragen nach Räumen und ihrem Wandel zu stellen?

Stefan Alber: Ich habe vorher in ­Hamburg studiert. Die Hansestadt hat eine tolle Kunstszene und trotzdem wollte ich mehr erfahren, eine größere und offeneres Kunstfeld kennenlernen. Berlin ist seit langer Zeit zum ­Magnet geworden - für Künstler_innen, Kunstwissenschaftler_innen, Galerien etc. Ich schätze es sehr an Berlin, dass es wie ein Netzwerk funktioniert, das sehr gut nach außen arbeitet, ständig neue Verbindungen zu knüpfen sucht. Es ist mir leicht gefallen hier Fuß zu fassen. Ich bin hier auch auf sehr viel Ham­burger_innen und auch Südtiroler_innen getroffen. Es gibt in Berlin einfach ein riesiges kulturelles Angebot und das ist faszinierend für viele kreativ Arbeitende. Diese Vielfalt ist sehr inspirierend. Ich treffe hier überall auf Kunst. Wenn ich durch die Straßen fahre oder gehe, irgendwo findet immer eine Performance statt, oder ich sehe ein Graffiti das mich anregt. Genauso schätze ich aber auch Orte wie Südtirol, dort auf den Bergen mit sich selbst und der Natur zu sein. Das ist ein schöner Gegensatz. Ich bin in Berlin nicht so sehr verankert. Wahrscheinlich auch deshalb, weil ich in Berlin, wie viele andere auch, eben temporäre Räume nutze.

In deiner künstlerischen Auseinandersetzung mit bebauter Umwelt und Architektur ist der sogenannte Abfall der Geschichte ein wiederkehrendes Element. Die Überbleibsel der Vergangenheit sind der Ausgangspunkt für diese Arbeiten. Der Zerfall eines Gebäudes, eines Stadtviertels, oder die Schließung eines Industriekomplexes wie „Copsa Mica“ (Rumänien) hinterlässt nicht nur Leerstellen, sondern auch Spuren. ­Diese vorgefundene Relikte demontierst und transformierst du. Dabei streichst du sowohl die Geschichtlichkeit dieser Fragmente, als auch deren Materialität hervor. Diese künstlerische Praxis oder Herangehensweise scheint mir auch wichtig für deine ortsspezifischen Arbeiten.

Stefan Alber: Räume sind ein wesent­licher Ausgangspunkt meiner Arbeit. Ich interessiere mich sehr für Architektur und ihren geschichtlichen Hintergrund, aber auch für ihre aktuelle Funktion. In meinen Arbeiten spielt die Frage, wie Orte wahrgenommen werden eine zentrale Rolle. Ich frage mich dann, wie ich diese Aspekte durch Verschiebungen, Fragmente, oder auch Verlinkungen für meine Arbeit produktiv machen kann. Dabei komme ich zu sehr unterschiedlichen Ergebnissen. Ich gehe sehr heterogen mit Räumen um. Ich versuche den Raum zu fordern, ­seine Wirkung zu verändern. Auf Reisen stoße ich oft auf Orte die mich künst­lerisch interessieren. Diese Orte trans­feriere ich dann in meinen Ar­beiten, auch in dem ich sie beispielsweise in einer Ausstellungssituation zeige. In „Copsa Mica“ bestand bis 1993 eine der größten Anlagen zur Herstellung von Ruß und Buntmetallen in Europa. Die jahrelange Produktion von Giftstoffen hinterließ katastrophale Umweltschäden. Seit der Stilllegung der Fabriken gilt die Region als wirtschaftlich in Vergessenheit ge­raten. Die Überreste der Industrieruinen werden von den Bewohnern abgebaut und als Bau­material weiterverwendet. Ich bin dort bei einem Besuch auf vom Zerfall geformten Kammerziegel aus Graphit gestoßen und habe sie in Hybride aus Skulptur und Architekturmodell transformiert.

Das Gespür für den ästhetischen Mehrwert von Alltagsgegenständen hast du bereits während deiner Ausbildung zum Tischler aneignen können. Der handwerkliche Aspekt spielt nach wie vor eine große Rolle in deinen Arbeiten. Wie wichtig ist für dich handwerkliches Können und das experimentieren mit Werkstoffen?

Stefan Alber: Als ich noch Tischler war, hab ich mich sehr viel mit Design beschäftigt. Selbst Möbel zu gestalten, die Suche nach der Form, die technische Umsetzung waren die schönsten Herausforderungen an dieser Arbeit. Ich habe dann nach einiger Zeit begonnen Bilder in meine Möbel zu integrieren. Irgendwann wurde der funktionale Aspekt obsolet - also sind die Möbel verschwunden. Das Bauen, das Material und die Oberfläche sind immer mehr in den Vordergrund gerückt. Dabei ist das Experimentieren und die Auseinandersetzung mit dem Material ist für mich zentral. Manchmal kann es allerdings schon passieren, dass ich eine Arbeit aus der Hand geben muss, einfach weil ich nicht in der Lage bin, das was ich will, mit meinen Werkzeugen und ­meinen Möglichkeiten umzusetzen.

Dein kreativer Arbeitsprozess treibt dich aber auch in diverse öffentliche Berliner Werkstätten, für die „Light Cases“ hast du gelernt Metall zu schweißen. Deine Arbeiten sind oft medienübergreifend. Auch die Serie „Frameworks“ bewegt sich zwischen Fotografie, Skulptur und Objektkunst. Bei einem Besuch in deinem eigenen Atelier fällt einem deine präzise, fast schon perfektionistische Arbeitsweise auf. Es gilt: Das Medium ist die Botschaft. Das zeigt sich für mich besonders in deiner Bildproduktion, vor allem in den fotografischen Arbeiten.

Stefan Alber: Mein Atelier ist eine Werkstatt, ein sehr flexibler Raum, teils Holzwerkstatt, teils Farblabor, teils Dunkelkammer. Ich arbeite sei es mit digitaler, als auch analoger Fotografie. Da ich meist von einem bestimmten Thema ausgehe, hängt es von diesem ab, ob ich mich für digital oder analog entscheide. Die analoge Fotografie ist ein äußerst flexibles Material. Ich finde es faszinierend, dass ich die Oberfläche eines Fotopapiers verschieden auflade kann. Ich kann klarerweise meine ­eigenen Bilder darauf pro­ijezieren, aber ich kann es auch einfach nur entwickeln, oder etwa die Eigenfarbe des Fotopapier rausholen, in dem ich das Papier einfach das Umgebungslicht aufsaugen lasse. Die Werkgruppe „Reflektoren“ sind Objekte aus lichtsensiblem Fotopapier, welche durch das Umgebungslicht gezeichnet werden. Das Fotopapier dient hierbei nicht als Träger einer fixierten fotografischen Abbildung, sondern wird zum eigenständigen Bildgegenstand der eine kontinuierliche Veränderung der Oberfläche vorführt. In der Serie „Light case“ verwende ich u.a. Hintergründe aus der Objektfotografie mit Verlauf-Effekten. Diese spiegeln für mich gängige ästhetische Vorstellung wieder, welche eben als Hintergrund immer wieder in neuen Zusammen­hängen auftauchen. In der Serie „Frameworks“ Serie gehe ich von verschiedenen Holzrahmen aus. In den Bildern sind Fotografien von Bäumen zu sehen. Dazu kommt noch eine Dose Holzlasur. Ich arbeite sehr oft mit der Kombination Bild und Objekt. In diesem Fall ist es eine Kombination von einem für mich alltäglichen Gebrauchsgegenstand, aus dem ich eine Collage baue.