Spring 2016 

Text by Sarah Oberrauch

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Group Exhibition at Lanserhaus

Structures are both the condition and limits for the possibility of practices. Every practice generates structures, which they render visible or influence in their stability. Understandings of structure depend on aspects of the visible in relation to form and function – creative and artistic approaches are capable of uncovering invisible paths and connections and revealing alternative spaces of action and movement.
In this year's exhibition we try to direct the eye towards things that like to keep in the background. Different processes of institutionalization, stabilizing social norms and cementing mechanisms of order and governance are examined. Architectural fossils crystalize as an important focal point – they are what testifies dominant powers and influences societies.
Accompanying our search for such traces of constitution are questions on the aesthetics of resistance. The participating artists investigate the ways in which systems of space and knowledge interlink and forms of representation are deployed. These strategies reveal that only by identifying existing patterns and cycles can different directions be pursued and new structural worlds be discovered.

Mrova lives and works in Amsterdam, Netherlands, and also at times in Vienna, Austria. She acts as  social designer, (visual) researcher and filmmaker.  The emphasis in her practice lies on mediating social and political issues, places playing key roles in recent historical events and researching tactical (inter)passivity. Her current research focuses on documentary forms of representation and strategies of deconstruction of power by means of highlighting hidden or repressed memories and fragmentary archives.
In South Tyrol, she traces architectural remnants of the fascist era and emphasizes the particular role of the alps, providing a reminder of how this shaped the surrounding area and how functions have shifted today. Together with the youth choir of St. Paul she stages “Bella Ciao”, a song which became known through the italian resistance movement against fascism in the second world war in front of one of the many abandoned local bunkers, as well as the song of solidarity by Bertold Brecht in front of the fascist facade of Bolzano train station.

Monika Grabuschnigg’s works circle questions about the meaning, identity and cultural affiliation of objects, symbols and ornaments once they have experienced a shift or decontextualization, particularly in the form of souvenirs and other consumer products. She focuses on those which originally constituted or pointed to a threat.
In her last exhibition “Rest, You Restless Guardians”, eleven sculptures were exhibited which were inspired by the weaving patterns of Afghan War tapestries. In the 1980s, Afghan weavers began to address the socio-political events of their country in carpet patterns.
Over time, these found a market and are now being sold worldwide. However, what happens with these rugs on their journey across the globe? What changes do they undergo?
If a threat from long ago is now far away from the viewer, what is left over beyond a kind of fetishism? This issue is also inherent in the phallus-like form, although the “feminine” color and materiality of the sculpture point beyond a mere attribution of gender identities.

Zohar Gotesman is a sculptor for whom any material can serve to help express his burlesque ideas. Gotesman’s sculptures vary in style and materiality. He has no auratic attitude towards his sculptures, but instead plays with his material, extending it as well as the concept of sculpture itself. He makes use of classical content such as the portrait bust or equestrian statues. On the one hand, his sculptures refer to a classical Greek ideal of the body and its representation, but on the other hand, they are always associated with excretions and remains of the body. This evokes a disturbance for the viewer, and usually results in humorous satire against his own classical artistic notions.

The Wa's public interventions and sculptures are obstacles which could be rephrased with the terms “urban hacking” or “artivism”. Unmistakably, his artistic practice is linked to european avant-garde movements such as Situationism, Dada of Fluxus. The often comical, always poignant works stir up the observer and ideally succeed in generating skepticism towards society's control and surveillance mechanisms. Historical strategies of appropriation such as the Situationists' “dérive” are reflected on and revisited in the light of current aesthetic manifestations and practices.

Vincent Grunwald's work deals with aesthetic paradigms of organizing structures. These seemingly functional measures, often kept in the background, are examined and their representational aspects highlighted – for example, the structural measures of design in the building industry reveal clear ideas of a particular aesthetic.
His series “Filter” looks at the way fences and barrier systems merge with its severed areas, as the title suggests, can be used as filters for enabling an altered view of the area. Similarly, traces of security technology are engraved in the faces of passports or banknotes. These security features provide information on several levels – information which cannot be read by everyone and, in the same way as the barrier fences, function as “aesthetic agents of exclusion”.

Stefan Alber's works are often specific involvements with places and phenomena, often focusing on socio- economical change and its influences. Ruins, rubble and debris are recurring motives in his work. The decaying of a city as well as gentrification and the accompanying disappearance of marginalized demographic groups from certain areas leave not only vacant space, but also specific traces. Found components are dismantled and transformed. Photographs and sculptures demonstrate the ambiguity of such remains, while at the same time emphasizing their materiality.
In “Light case”, the background colors of photographed objects are inspected regarding their implications for representation. They mirror particular aesthetic perceptions perpetually reappearing in new contexts.

Gruppenausstellung im Lanserhaus

Strukturen sind Bedingung sowie Begrenzung von Handlungsmöglichkeiten. Eine jede Handlung bringt Strukturen hervor, macht sie sichtbar und beeinflusst ihre Stabilität. Das Verständnis von Strukturen unterliegt Aspekten der Visualität sowie der Relation von Form und Funktion – gestalterische und kreative Umgänge weisen verborgene Wege und Verbindungen aus und lassen alternative Bewegungsräume erkennen.

In der diesjährigen Ausstellung versuchen wir, den Blick auf jenes zu lenken, das sich gerne im Hintergrund hält. Es werden verschiedene Institutionalisierungsprozesse beleuchtet, welche zur Verfestigung und Stabilisierung sozialer Normen führen sowie allgemeine Ordnungsund Herrschaftsmechanismen zementieren. Als ein Schwerpunkt zeichnen sich architektonische Fossilien ab, die von herrschenden Kräften zeugen und eine Gesellschaft weiterhin prägen. Neben der Suche nach Spuren solcher Konstituierungen werden auch Fragen der Ästhetik des Widerstands gestellt. Die teilnehmenden KünstlerInnen untersuchen, wie Raum-und Wissensordnungen zusammenhängen und inwieweit ihre Repräsentationsformen eingesetzt werden können. Dabei zeigt sich, dass erst im Identifizieren von vorhandenen Mustern und Zyklen neue Richtungen eingeschlagen und
andere Strukturwelten entdeckt werden können.

Mrova bezeichnet sich als „social designer“, „visual researcher“ und Filmemacherin. Ihr Interesse gilt sozialen wie politischen Ereignissen, die in jüngerer Geschichte eine Schlüsselrolle gespielt haben. Ihr derzeitiger Fokus liegt auf dokumentarischen Formen der Repräsentation und Strategien der Dekonstruktion von Machtverhältnissen, indem sie unter anderem versteckte oder unterdrückte Erinnerungen sichtbar macht und das Fragmentarische von Archiven betont. In Südtirol geht sie den architektonischen Relikten des Faschismus nach und hebt die besondere Rolle der Alpen hervor. Sie erinnert, in welcher Weise die Umgebung dadurch geformt wurde und wie sie heute umfunktioniert
wird. Gemeinsam mit dem Jugendchor von St. Paul hat sie das Lied „Bella Ciao”, das durch die italienische Widerstandsbewegung gegen den Faschismus im Zweiten Weltkrieg weitgehend bekannt wurde, vor einen der zahlreichen verlassenen Bunker singen lassen, sowie das Solidaritätslied von Bertolt Brecht vor der faschistischen Fassade des Bozener Bahnhofs.

Monika Grabuschiniggs Arbeiten umkreisen Fragen nach der Bedeutung, Identität und kulturellen Zugehörigkeit von Objekten, Symbolen und Ornamenten, sobald diese eine Verschiebung oder Entkontextualisierung erfahren haben, besonders in Form von
Souvenirs und anderen Handelsartikeln. Im Mittelpunkt stehen dabei diejenigen, die ursprünglich auf eine Bedrohung hindeuteten oder selbst eine darstellten. Werden Bedrohungen von einst kommerzialisiert und auf verschiedensten Wegen verbreitet,
bleibt nur noch eine Art Fetischismus übrig. Dieser findet sich zum Beispiel in der phallus-artigen Form der Skulpturenserie „Rest, You Restless Guardians“ wieder. Drei Keramikskulpturen, die von Webmustern der afghanischen Kriegs-Wandteppiche inspiriert
sind, weisen in Farbe und Materialität jedoch über bloße Zuschreibungen von Geschlechteridentitäten hinaus.

Zohar Gotesman ist Bildhauer, wobei ihm jedes Material dienlich sein kann, seinen burlesken Ideen zum Ausdruck zu verhelfen. Gotesmans Skulpturen variieren in Stil und Materialität. Er nimmt gegenüber seinen Skulpturen keine auratische Haltung ein, sondern spielt mit seinem Material und dehnt es genauso wie den Begriff der Bildhauerei. Er bedient sich dabei klassischer Inhalte wie der Portraitbüste oder Reiterstatue. Einerseits verweisen
seine Skulpturen auf ein klassisch-griechisches Ideal vom Körper und seiner Darstellung, anderseits werden sie immer wieder mit Ausscheidungen und Überbleibseln des Körpers
in Verbindung gebracht. Dadurch erzielt er eine Störung beim Betrachter, die sich meist als humorvolle Persiflage gegenüber seiner eigenen klassisch-künstlerischen Ambition erweist.

The Wa’s Interventionen und Skulpturen im öffentlichen Raum sind Stolpersteine, die mit den Begriffen „Urban Hacking“ oder „Artivism“ umschrieben werden können. Unverkennbar knüpft seine künstlerische Praxis an die europäischen Avantgardebewegungen wie Situationismus, Dada und Fluxus an. Die sehr oft komischen, immer pointierten Arbeiten rütteln die Betrachter und Betrachterinnen auf und erzeugen im besten Falle eine skeptische Haltung gegenüber gesellschaftlichen Kontroll- und Überwachungsmechanismen. Dabei werden auch eventuell historisch verklärte Aneignungsstrategien wie beispielsweise das „dérive“ der Situationisten reflektiert und wieder aufgegriffen, um sie auf aktuelle Ästhetiken und Techniken zu überprüfen.

Vincent Grunwald beschäftigt sich mit ästhetischen Paradigmen von organisierenden Strukturen. Er beleuchtet diese Maßnahmen, die sich gerne im Hintergrund halten, indem er ihre ästhetischen Aspekte betont. Als ein Schwerpunkt lassen sich die Gestaltungsmaßnahmen des Bauwesens hervorheben. Diese scheinbar rein funktionellen Strukturen lassen eine vielfach klare Vorstellung von Ästhetik erkennen. Seine Serie „Filter“
prüft, inwieweit Zäune und Absperranlagen mit dem abgetrennten Bereich verschmelzen und - wie der Titel bereits suggeriert - als Filter dienen können, um einen veränderten Blick
auf die Umgebung freizugeben. In ähnlicher Weise sind Spuren der Sicherheitstechnologie in Gesichter von Reisepässen oder Geldscheinen eingraviert. Diese Sicherheitsmerkmale versenden Informationen auf mehreren Ebenen, die nicht von allen gelesen werden können und sind in diesem Sinne ähnlich wie die Bauzäune „ästhetische Agenten der Exklusion“.

Stefan Albers Arbeiten sind meist spezifische Auseinandersetzungen mit Orten und Phänomen. Nicht selten stehen dabei sozioökonomische Veränderungen und ihre Auswirkungen im Vordergrund. Ruinen, Schutt und Überreste sind wiederkehrende Motive in seinen Arbeiten. Der Verfall einer Stadt sowie Gentrifizierung mit dem dazugehörigen Verschwinden von prekären Bevölkerungsgruppen aus dem entsprechenden Stadtviertel hinterlässt nicht nur eine Leerstelle, sondern auch seine Spuren. Vorgefundene Komponenten werden demontiert und transformiert. Seine Fotografien und Skulpturen verweisen darin auch auf die Mehrdeutigkeit solcher „Überreste“ und heben im selben Moment deren Materialität hervor. In der Serie „Light Case“ werden die Hintergrundfarben von Objektfotografien untersucht und auf deren Implikationen der Repräsentation hin geprüft. Sie spiegeln eine ästhetische Vorstellung wieder, die immer wieder in neuen Kontexten umgesetzt wird.